La danse comme outil de création chez les jeunes

nov 2013

L'art est un mélange en constante évolution qui mobilise l'intellectuel et de l'émotionnel, le physique et le spirituel, et fait de la subjectivité une vertu.

Il offre un moyen unique par lequel nous pouvons nous explorer et explorer notre position dans le monde en général, ainsi qu’une façon d'échanger avec d'autres sur ce que nous voyons, ressentons, pensons et éprouvons. L'art est un moyen d'ouvrir le dialogue au sein et entre les individus et les communautés. 

La danse en soi est un art, elle fait partie des « arts de la scène », elle est un objectif pour elle même et un moyen qui permet à l'être humain d’exprimer ses émotions, pensées et expériences intérieures.

La danse est une forme naturelle d’auto-expression, le corps s’exprime naturellement tout comme l'esprit . Nous sommes tous des êtres dotés de libre arbitre quelle que soit notre situation. Notre corps exprime par la danse à quel point nous sommes réellement libres. Le corps exprime les restrictions que nos esprits ont créées pour lui.

La danse est la forme d'art dans laquelle le mouvement humain devient le moyen pour la détection, la compréhension et la communication des idées, des émotions et des expériences. La danse a son propre contenu, son vocabulaire, ses compétences et techniques, qui doivent être comprises et appliquées afin de maîtriser cet art. Les éléments de la danse sont un  vocabulaire, une grammaire, des concepts fondamentaux pour développer des capacités de mouvement et de comprendre ainsi la danse comme une forme d'art. Tous ces éléments sont présents simultanément dans une chorégraphie ou même dans une phrase gestuelle courte.

Mais est-ce la seule « utilisation » possible de cet art ? Doit-on la cantonner à sa forme d’ « expression la plus élevée » à la scéne du spectacle ? Ou est-il temps de nous reconnecter à notre corps et de revenir à la danse comme une partie intégrante de notre vie ?

Dans les temps anciens, l'humanité dansait tout le temps, car la danse est une des expressions intrinsèques des êtres humains. Les événements naturels, les rassemblements communautaires, les moments en famille, la guerre et la paix, les saisons de l'année ... - tous ces instants étaient exprimés à travers des danses collectives, familiales et individuelles. Aujourd'hui, et surtout dans les zones rurales, la danse est toujours présente dans la vie quotidienne.  

Dans quelle mesure la danse est-elle présente dans les systèmes éducatifs formels et non formels ? Dans quelle mesure la danse est-elle un outil aux mains des professionnels ? Est-il légitime d’« utiliser » la danse non seulement comme une forme d'art ou un moyen d’expression, mais plutôt comme un outil éducatif ?  

La danse fournit une façon d'apprendre qui développe les capacités de communication, des techniques de résolution de problèmes, ainsi que des compétences de réflexion créative et critique à travers des capacités kinesthésiques. À la base, l'objectif de l'enseignement de la danse est d'amener les élèves à des expériences artistiques à travers les processus de création et de  performance.

La danse, en tant que modalité d'apprentissage particulièrement riche, peut être utilisée non pas comme un but en soi mais comme un moyen et / ou un outil dans l'éducation formelle et non-formelle, pour développer des compétences individuelles et de groupe quant à la résolution de problèmes, pour acquérir des concepts et la compréhension de sujets, pour lier des activités de mouvement à des thèmes académiques permettant aux praticiens de tirer parti de l’intelligence kinesthésique profonde de la jeunesse.

Les activités de danse permettent d'aborder une grande variété de sujets, si ce n’est la tous. Elles peuvent être utilisées pour faire face à toutes sortes de comportements humains. Des explorations guidées peuvent être transformées en des formes concrètes. La formation en danse est un vecteur pour un enseignement holistique développant  les caractéristiques humaines nécessaires à la société future. La danse intègre des aspects mentaux, physiques, émotionnels et spirituels de l'éducation.

La danse a un impact sur la vie.

Le Centre EuroMed pour le dialogue interculturel définit dans les termes les principes suivants les principes de l’éducation non formelle : créativité, participation active, apprentissage autonome, partenariat égalitaire, initiative.

Nombre  de programmes de danse définissent ses principes de la manière suivante : lespace, corps, temps, énergie, relations, actions.

Est-ce que tous les principes énoncés ci-dessus peuvent être combinés de façon logique ? 

Est-ce que la danse peut être décontextualisée des arts de la scène et être utilisée comme un outil dans le domaine de la jeunesse ?

La réponse est un grand OUI.

Le projet de sensibilisation communautaire en Suède a utilisé le Hip Hop pour servir de base et développé une méthode pour créer des lieux de rencontre locaux qui stimulent la créativité. Ce processus a encouragé les individu-e-s et leur a donné des occasions d’apporter des changements positifs dans leur vie. Le but était de lutter contre la discrimination et la marginalisation, de promouvoir l'apprentissage, la diversité, la participation et l'engagement dans la communauté. 

En utilisant l'éducation participative non formelle, la jeunesse a bénéficié d’une scène pour son propre développement et ses intérêts. Le Hip Hop a fourni une occasion aux jeunes de canaliser leur énergie et leur créativité pour transformer leur situation de façon positive. La culture Hip Hop a été utilisée pour encourager les jeunes à opérer des changements dans leur propre vie et dans la société.

En 2005, dans le contexte de ma formation au programme TATEM – Training Active Trainers in Euro-Mediterranean Youth Work (Formation de formateurs actifs dans le travail de jeunesse euro-méditerranéenne), organisée dans le cadre du Partenariat sur la jeunesse entre le Conseil de l'Europe et la Commission européenne et en coopération avec le Centre de ressources EuroMed SALTO, j’ai eu l'occasion, avec des collègues d’Italie, de l'Autorité palestinienne et du Portugal, de développer et de mettre en œuvre le module de formation « Les arts dans l’éducation aux droits humains », qui s’est déroulé à Ermesinde au Portugal. 

Ce module a utilisé des ateliers d’arts, d’arts de la scène, de dynamique de groupe et la discussion, le partage d'expériences et l'apprentissage créatif pour amener  les participant-e-s à découvrir lla Déclaration des droits de l’homme et les guider sur un chemin pour fonder et développer de nouvelles façons, des méthodes et des outils pour mettre en œuvre l’éducation aux droits humains. Le module s’est terminé par une création (à travers les arts) d'une campagne (sur les droits humains) qui a été installée sur la promenade de la ville.

J’ai eu l'occasion de présenter et de partager quelques-uns des outils lors de la Foire aux outils V, à Venise (Italie). L'objectif pour les formateurs-trices  était d'apprendre à utiliser la danse et le mouvement autour d'un thème, dans ce cas, l’éducation aux droits humains ; pour les jeunes, il s’agissait de présenter la Déclaration des droits de l’homme de façon expérimentale. 

La formation en danse est une profession. Actuellement pratiquement n’importe qui peut louer un studio et prendre des élèves. Cela nuit au fait qu’il s’agit d’une profession qui doit être exercée de façon rigoureuse. Même si l’on a une expérience passée de danseur, que l’on a eu beaucoup de succès, ceci ne peut garantir que l’on est en capacité de délivrer un enseignement de qualité. La façon d’enseigner mérite autant d'attention que le contenu enseigné.

Les risques d’abus doivent être pris en compte. A l’entrée de la deuxième décennie du XXIe siècle, la société occidentale est submergée par les médias numériques, le libre accès à l'information et aux tutoriels sur tous les sujets. Il n’est pas vrai que  « tout le monde peut tout faire ». La connaissance et l’expérience en danse, ainsi que des connaissances et de l'expérience dans l'éducation sont un must. L'utilisation d'un outil exige des compétences.  

La danse doit être réintroduite dans nos vies quotidiennes, être incluse, avec d'autres formes d'arts ainsi que les sports, comme partie intégrante dans nos systèmes d'éducation formelle et non formelle.

Nous devons veiller au développement permanent de la créativité chez les enfants, les jeunes et les adultes, à chaque instant de nos vies. Nous sommes toutes et tous « créatifs » - la clé, est dans la main des professionnels.

Bibliographie

Fit to dance? – The report of the national inquiry into dancers’ health and injury, par Dr. Peter Brinson et Fiona Dick, Calouste Gulbenkian Foundation (Londres, 1996)

Making Kinesthetic Sense: Creative Dance as a Tool for Learning, par Mary Ann Brehm et Lynne McNett, International Association for Creative Dance

National Dance Education Organization standards for learning and teaching in dance: Ages 5-18. Reston, VA: National Dance Education Organization (2005)

Regular Marvels – A handbook for animateurs, practitioners and development workers in dance, mime, music and literature, par François Matarasso, The Community Dance & Mime Foundation (Royaume-Uni, 1994)

International Hip Hop project of SV, www.hiphopakademien.se (Suède)

Claudio Kogon est formateur et coordinateur d’activités, il collabore au Centre de ressources SALTO-YOUTH EuroMed (Paris, France). Il a beaucoup travaillé dans les arts de la scène et l’éducation artistique.

Actuellement, il est le directeur adjoint du Centre Suzanne Dellal pour la Danse et le Théâtre (Tel Aviv, Israël), et est membre du DeVos Institute for Arts Management at the Kennedy Center (Washington, USA).

Encadrés  séparés qui peuvent être ajoutés à l’article 

« Toute activité organisée et durable qui ne correspond pas exactement à la définition de l'enseignement formel relève de l’éducation non formelle. L'enseignement non formel peut donc être dispensé tant à l'intérieur qu'à l'extérieur d'établissements éducatifs et s'adresser à des personnes de tout âge. Selon les spécificités du pays concerné, cet enseignement peut englober des programmes d'alphabétisation des adultes, d'éducation de base d'enfants non scolarisés, d'acquisition de compétences utiles à la vie ordinaire et professionnelle, et de culture générale. Les programmes non formels ne suivent pas nécessairement le système d'échelle et peuvent être de durée variable. »  

UNESCO, 1997

« Nous devrions considérer chaque jour perdu sur lequel nous n'avons pas dansé au moins une fois. »

Friedrich Nietzsche.

« Danse quand tu es cassée et à vif. Danse quand tu as arraché tes bandages. Danse au milieu des combats. Danse dans ton sang. Danse quand tu es parfaitement libre. »

Rumi

« La danse est le langage caché de l’âme ».

Martha Graham

« Il m'a fallu des années de lutte, de travail acharné et de recherches pour apprendre à faire un seul et simple geste, et je sais assez ce qu’est l'art d'écrire pour me rendre compte qu'il me faudrait encore autant d'années d'effort tenace pour écrire une seule phrase simple et belle. »

Isadora Duncan

encadré séparé :

Les éléments de la danse

L’espace : Où se déplace le corps ?. Une danse affecte la façon dont le public voit l'espace où la danse a lieu. Les danseurs peuvent parcourir l'espace ou se déplacer en un seul endroit. Quand ils se déplacent à travers l'espace, ils vont dans des directions différentes, en avant, en arrière et sur les côtés, et sur différents niveaux - élevé, moyen et bas. Ils créent différentes formes avec leur corps et transfèrent leur poids afin qu'ils soient équilibrés ou déséquilibrés. Le chemin qu'ils suivent sur le plancher est appelé un cheminement au sol.

Le corps : Ce que fait le corps. Parfois, les danseurs bougent leur corps tout entier et parfois seulement une partie - un petit mouvement est un geste. 

Le temps : Comment bouge le corps par rapport au temps ? La vitesse à laquelle le danseur se déplace - lente, rapide, accélérée, ralentie - est appelé le temps, ou le tempo. La danse, comme la musique, le théâtre et le cinéma, existe dans le temps linéaire. Contrairement à une peinture ou à une sculpture qui ne change pas au fil du temps, la danse se déplace à travers le temps aussi bien qu’à travers l'espace. Les chorégraphes utilisent souvent des motifs répétitifs pour rendre la « lecture » de la danse plus facile au public. 

L’énergie : Comment bouge le corps. Lorsque nous parlons de la dynamique d'une danse, nous entendons le type d'énergie avec laquelle les danseurs se déplacent. Elle peut être forte ou légère ; tendue ou détendue. Les danseurs peuvent sembler couler ou leurs mouvements peuvent être staccato ou saccadés.

Les relations aux autres : Avec qui ou quoi bouge le corps ? Chaque danse implique une relation. Même dans un solo la personne qui danse a une relation avec l'espace. Les danses peuvent être effectuées en tout type de groupement : séparés, connectés, en solo, en duo, ensemble, en formations et ainsi de suite. 

Partager ce contenu